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Jorge Drexler ha sido el artista más galardonado en la 23ª edición de los Grammy Latinos, con siete premios. Le siguió de cerca Bad Bunny con 5.

Drexler se quedó con la estatuilla en las categorías Canción del año, Grabación del año, Mejor álbum cantautor, Mejor canción alternativa, Mejor mezcla y Mejor arreglo. En la séptima categoría Mejor canción pop el primer lugar, con su tema “La guerrilla de la concordia” lo compartió con “Tacones Rojos” de Sebastián Yatra y Pablo María Rousselon.

Todos los premios:
Canción del año:
Tocarte, de Jorge Drexler y C. Tangana

Grabación del año:
Tocarte, de Jorge Drexler y C. tangana

Mejor álbum cantautor:
Tinta y tiempo, de Jorge Drexler

Mejor canción alternativa:
El día que estrenaste el mundo, de Jorge Drexler.

Mejor mezcla:
El plan maestro, de Jorge Drexler y Fernando Velázquez

Mejor arreglo:
El Plan Maestro, de Fernando Velázquez y Jorge Drexler.

Mejor canción pop:
Aquí hubo un empate entre La Guerrilla de la Concordia, de Jorge Drexler, y Tacones Rojos, de Sebastián Yatra y Pablo María Rousselon.

Álbum del año:
Motomami, de Rosalía

Persona del año:
Marco Antonio Solis

Mejor nueva artista:
Angela Álvarez y Silvana Estrada

Mejor interpretación de reguetón:
Lo siento BB, de Tainy, Julieta Venegas y Bad Bunny.

Mejor álbum de música urbana:
Un Verano Sin Ti, de Bad Bunny

Mejor álbum vocal pop:
Dharma, de Sebastián Yatra

Mejor álbum vocal pop tradicional:
Aguilera, de Christina Aguilera.

Mejor álbum de pop/rock:
Los Años Salvajes, de Fito Paez.

Mejor fusión o interpretación urbana:
Titi me pregunto, de Bad Bunny

Mejor álbum folclórico:
Ancestros sinfónico, de Sintesis, X Alfonso y Eme Alfonso

Mejor álbum alternativo:
Motomami, de Rosalía.

Mejor álbum de rock:
Unas vacaciones raras, de Él Mató a un Policía Motorizado

Mejor álbum de música flamenca:
Libres, Las Migas

Mejor álbum instrumental:
Maxixe Samba Groove, de Hamilton Holanda.

Mejor canción de rock:
Lo Mejor de Nuestras Vidas, de Fito Paez.

Mejor canción pop/rock:
Los Años Salvajes, de Carlos Vives y Fito Paez.

Mejor álbum de tango:
Horacio Salgán piano Transcriptions, Pablo Estigarribia.

Mejor álbum de jazz latino:
Mirror Mirror, de Eliane Elias, Chick Corea y Chucho Valdés.

Mejor canción urbana:
Titi me pregunto, de Bad Bunny

Mejor álbum de salsa:
Pa’allá voy, de Marc Anthony.

Mejor álbum de cumbia/vallenato:
Feliz Aniversario, Jean Carlos Centeno y Ronal Urbina.

Mejor álbum de merengue/bachata:
Entre mar y palmeras, Juan Luis Guerra.

Mejor álbum tropical tradicional:
Live in Marciac, de Gónzalo Rubalcaba y Aymee Nuviola.

Mejor álbum tropical contemporáneo:
Cumbiana II, de Carlos Vives.

Mejor canción de rap/hip hop
De museo, Bad Bunny

Mejor canción tropical:
Mala, de Marc Anthony y Álvaro Lenier Mesa

Mejor diseño de empaque:
Motomami, de Rosalía

Productor del año:
Julio Reyes Copello, por obras como Cuántas veces, de Carlos Rivera y Reik; Nada Particular, de Miguel Bosé y Carlos Rivera, y Pa’lla Voy, de Marc Anthony.

Mejor vídeo musical de versión corta:
This is not America, de Residente y Lisa-Kaindé Diaz.

Mejor vídeo musical de formato largo:
Hasta la raíz: el documental, de Natalia Lafourcade, Bruno Bancalari y Juan Pablo López-Fonseca

Mejor álbum de música clásica:
Legado, de Berta Rojas y Sebastián Henríquez.

Mejor álbum de música latina para niños:
A la fiesta de la música vamos todos, de Sophia.

Mejor álbum de música ranchera/mariachi:
EP #1 Forajido, de Christian Nodal.

Mejor álbum de música banda:
Abeja reina, Chiquis.

Mejor álbum de música tejana:
Para que baile mi pueblo, de Bobby Pulido.

Mejor canción regional mexicana:
Como lo hice yo, de Edgar Barrera, Matisse y Carin León.

Mejor álbum folclórico:
Ancestros sinfónico, de Síntesis, X Alfonso y Eme Alfonso.

Mejor álbum cristiano (en español):
Viviré, Marcos Witt.

Mejor ingeniería de grabación para un álbum:
Motomami, de Rosalía y los productores Bryan Hernández, Shin Kamiyama, Michael Larson.

Mejor álbum de música norteña:
La reunión, de Los Tigres del Norte.

Mejor canción en portugués:
Verdo Sardo, de Marisa Montes y Jorge Drexler.

Mejor álbum de pop contemporáneo en portugués:
Sim Sim Sim, de Bala Desejo.

Mejor álbum de samba/pagode:
Numanice #2, de Ludmilla.

Mejor álbum de música popular brasileña:
Indigo Borboleta Anil, de Liniker.

Mejor álbum de música de raíces en portugués:
Senhora Estrada, de Alceu Valença.

Mejor álbum cristiano (en portugués):
Laboratório do grove, de Eli Soares.

 

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  • TEMATICA Música
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La cantante y compositora Gal Costa, una de las voces más emblemáticas de la Música Popular de Brasil (MPB) durante más de medio siglo, falleció a los 77 años.

Gal, cuyo verdadero nombra era Maria da Graça Costa Penna Burgos, nació en Salvador de Bahía, se hizo conocer desde temprana edad como una de las figuras extraordinarias de la corriente tropicalista, junto a los también bahianos Caetano Veloso, Gilberto Gil y Maria Bethânia.

Imposible resumir la cantidad de temas que se volvieron clásicos e inolvidables gracias a su voz única. “Baby” de su época tropicalista de fines de los sesenta y “Força estranha” de 1979 son dos ejemplos. En los años ochenta fueron muy conocidos “Chuva de prata”, “Um dia de domingo” com Tim Maia y “Sorte” con Caetano Veloso. También interpretó a Cazuza y su crítica social de “Brasil, mostra a tua cara”.

 

 

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Atilio Stampone, uno de los grandes maestros del tango de todos los tiempos, falleció este miércoles en Buenos Aires a los 96 años.

Stampone fue pianista, compositor, arreglador y director. Estuvo al frente de Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto y ocupó la presidencia de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC) durante 24 años.

Formó su primera orquesta con el bandoneonista Leopoldo Federico en 1953. Se destacó como un prolífico compositor; escribió “Afiches”, “Con pan y cebolla”, “De Homero a Homero” y “Desencanto” con letra de Homero Expósito; “Fiesta y milonga” y “Viejo gringo”, con versos de Eladia Blázquez, entre muchos otros temas. También se hizo conocer con instrumentales como “Romance de tango” y “Para violín y piano”.

Asimismo incursionó en las bandas sonoras del cine, componiendo la música de “La historia oficial” de Luiz Puenzo; “Un guapo del 900” y “La mano en la trampa”, ambas de Leopoldo Torre Nilson; la última de las cuales le valió el Cóndor de Plata.

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  • TEMATICA Argentina
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El músico y compositor uruguayo Daniel Amaro recibió el pasado viernes el Premio Montevideo otorgado por la Intendencia del departamento capitalino.

La distinción reconoce a ciudadanas y ciudadanos por la relevancia de sus acciones y trayectoria en el terreno cultural, artístico, científico, deportivo, social y humanitario.

Amaro nació en Montevideo en 1950 e inició su carrera en los años sesenta como guitarrista y cantante de grupos de beat-rock, tales como Los Hunters y Cold Coffee.

Su trayectoria como solista se inició en el programa televisivo Discodromo en 1971.

Amaro es el compositor de la canción "A la ciudad de Montevideo", la cual ha sido interpretada por varios artistas, un tema emblemático donde se entremezclan diversas influencias dando origen a su sello distintivo: las Tangueces, un conunto de canciones con aires rioplatenses.

En 1976 se instaló en España, recorriendo el país y participando en diversos espectáculos con destacando artistas ibéricos. En 1983 se radicó en Noruega, donde vive hasta hoy.

La ceremonia de distinción se desarrolló en la sala Zitarrosa, en el marco de su recital El reencuentro, con la presencia del pianista noruego Erik Halvorsen, y de los artistas uruguayos Washington Carrasco y Cristina Fernández, Diane Denoir, Vera Sienra, Walter Bordoni, Demian Caula, Maxi Suárez y Diego Cubelli.

 

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Jerry Lee Lewis, uno de los pioneros del rock n' roll en los años cincuenta, falleció este viernes a los 87 años.

Lewis nació el 29 de septiembre de 1935 en Ferriday, Luisiana, y creció en la pobreza. Comenzó a interesarse por el piano a los 4 años; a la temprana edad de 10 años ya escuchaba a los intérpretes de blues, que fueron una gran influencia en el estilo personal que desarrollaría a mediados de los cincuenta, al igual que la música country. De esa amalgama de ritmos surgió lo que se denominó rock and roll.

Sus éxitos más sonados todavía se escuchan hoy, como "Great Balls of Fire" y "Whole Lotta Shakin' Goin' On". Otros temas muy populares de su repertorio fueron «You Win Again», «Breathless» y «High School Confidential».

Formó parte del deslumbrante grupo de talentos de Sun Records en Memphis, Tennessee, que incluía a Elvis Presley, Johnny Cash, Carl Perkins y Roy Orbison. Todos ellos ya fallecidos.

Con el paso del tiempo, se inclinó hacia la faceta del country, con grabaciones memorables como «Another Place, Another Time» y «What’s Made Milwaukee Famous (Has Made a Loser Out of Me)».

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Pat Metheny y su talento en Uruguay no deben pasar desapercibidos. Por alguna extraña razón, si es que la hay, la repercusión de su presencia ha sido escasa en muchos medios de comunicación, otro de los misterios insondables de este pequeño país.

 

Pat Metheny en Uruguay. Privilegio para nuestro país. El superguitarrista de la escena de jazz contemporáneo, con 68 años de edad y más de 50 de carrera, ganador de 20 Premios Grammy en 10 categorías diferentes y 3 álbumes de oro, se presentó el pasado jueves 6 de octubre en la sala Eduardo Fabini del Auditorio Nacional Adela Reta.

 

Perfecto marco para un sonido único que combina la formación académica y las melodías fácilmente reconocibles y de alcance masivo. Estuvo acompañado por el galés Gwilym Sincock en piano y teclados, la chino-malaya-australiana Linda May Ho en contrabajo y el mexicano Antonio Sánchez en batería. Una muestra, por si hacía falta todavía, de lo universal de su música.

 

Hicieron un extenso viaje, de algo más dos de horas de duración, por la obra del guitarrista, recordando y recreando temas de todas las épocas, generando una suerte de complicidad inmediata con el público.

Metheny desafía las categorías y los estilos. Puede combinar elementos del rock y del pop con un estilo jazzístico absolutamente identificable, y a la vez inimitable. El sonido de su guitarra sintetizada es una marca de fábrica.

 

Nació en agosto de 1954, en Lee’s Summit, Missouri, en el granero del Medio Oeste norteamericano. De allí proviene, sin duda, el reconocible sonido de las praderas. Metheny recuerda que durante los años de su infancia su propio cuarto estaba a 10 metros de las vías del ferrocarril del Missouri Pacific Railroad que une este y oeste de los Estados Unidos. No es casualidad que uno de sus temas más emblemáticos sea “Last Train Home”, en que se puede oir y sentir, literalmente, el pasaje del tren.

 

Originario de un entorno musical emparentado con la trompeta, sin embargo optó por la guitarra, a diferencia de su padre y de su hermano mayor Mike, para desconcierto familiar. Su decisión estuvo influida por el descubrimiento de The Beatles.

 

Para quienes tuvimos la suerte de verlo también en 1996, su primera presencia en Uruguay en el atroz Palacio Peñarol (desde el punto de vista estrictamente audiófilo), tal vez añoremos con cierta nostalgia el sonido global del Pat Metheny Group de aquellos años: las voces de los  coros, desde Pedro Aznar hasta David Blamires y Mark Ledford, los percusionistas desde Naná Vasconcelos hasta Armando Marçal y Luis Conte, pero sobre todo la atmósfera y los climas generados por la parafernalia multiinstrumental de los teclados de Lyle Mays, verdadero alter ego de Metheny, lamentablemente fallecido en 2020 (Paz a su alma).

 

A cambio de todo eso, esta vez el sonido fue incomparablemente mejor, y la nueva formación –minimalista si se quiere no va en zaga en cuanto a virtusiosmo. Pero, por encima de todo, las guitarras de Metheny siguen sonando como siempre, como si los años no hubieran pasado en absoluto. Aunque parezca increíble, Pat Metheny de nuevo en Uruguay, mejor que nunca. 

 

Desde la Pikasso de 42 cuerdas con la que abrió el espectáculo, hasta las dos eléctricas, una bien jazzística tradicional dentro del estilo de su admirado Wes Montgomery, hasta la más rockera y de sonidos ultra agudos, como en su estándar “Are You Going With Me?”.

 

Pasando por la distorsión absoluta, pero aun así melódica, de un ejercicio de free jazz en contrapunto con el baterista Antonio Sánchez, hasta los momentos acústicos e intimistas que nos retrotrajeron a discos como “New Chautauqua” o “One Quiet Night”, donde las notas caen como gotas de agua plateadas en un estanque nocturno.

 

Uruguay tuvo el privilegio de presenciar el pasaje de un músico clase A después de 26 años, como lo es Pat Metheny, haciendo gala de un profesionalismo máximo y una humildad envidiable.

En aquel entonces, tras su estadía en nuestra capital, se inspiró para componer el tema “Montevideo” donde quiere reflejar el sonido particular que le trasmitió la Muy Fiel y Reconquistadora, y que grabó en su siguiente disco, “Quartet”.

 

Metheny agradeció los aplausos del público en numerosas ocasiones, con escasas palabras, simplemente abriendo los brazos e inclinando la cabeza. No es necesario. Su voz es su música. Hasta la vuelta, Maestro.

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Pharoah Sanders, legendario saxofonista de jazz, falleció este sábado a los 81 años en Los Angeles, California.

En 1965 ingresó en el quinteto de John Coltrane, al que acompañó hasta su prematura muerte en 1967.

Era el último miembro vivo de aquel grupo, que completaban la pianista Alice Coltrane, el baterista Rashied Ali y Jimmy Garrison

Nació como Farrell Sanders en 1940 en Little Rock (Arkansas) en el seno de una familia de inclinación musical. Empezó tocando el clarinete antes de pasarse al saxo tenor, después de descubrir el jazz.

Se inició en la escena local de su ciudad, antes de mudarse a Oakland, en la Costa Oeste. Con la bahía de San Francisco como base de operaciones, primero se deslizó hacia la revolución armónica ordenada del bebop para luego saltar hacia la estética libre del free jazz.

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El interpréte y compositor uruguayo Jorge Drexler fue nominado en ocho categorías de los premios Grammy Latino de la actividad musical.

Figura en la categoría “Grabación y canción del año” por el tema “Tocarte”, que realizó junto al español C. Tangana.

Su disco “Tinta y tiempo” aparece en dos categorías: Álbum del año y Mejor álbum cantautor.

"La guerrilla de la concordia" compite en Mejor canción pop y lo mismo hace "El día que estrenaste el mundo" en Mejor canción alternativa.

Su colaboración con la brasileña Marisa Monte, “Vento sardo”, le valió una nominación en Mejor canción en lengua portuguesa.

La octava nominación es para el arreglo musical de Fernando Velázquez en la canción "El plan maestro".

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La actriz griega Irene Papas falleció este miércoles a los 96 años en la pequeña localidad de Chiliomodi, el mismo lugar donde nació.

Papas se hizo célebre por sus papeles en películas como ‘Los cañones de Navarone’ y ‘Zorba el griego’. Junto a Melína Merkoúri, también actriz griega, ha sido considerada como una de las mejores actrices griegas del siglo XX.

También fue reconocida por sus papeles en obras de tragedia griega como "Medea" o "Electra”.

En 1961, el director estadounidense J. Lee Thompson la incluyó en el reparto de "Los cañones de Navarone". Y a esta le sucedieron otras como "Zorba, el griego" en 1964, "Z" en 1969.

Tuvo a su cargo el papel de María en la pelicula 'Jesus' de Zefferelli. También participó en 'Y la nave se va' de Fellini, 'El león del desierto', junto a Anthoni Quinn, y 'Cristo se detuvo en Éboli' con Gian María Volonté, entre otras muchas obras.

Irene Papas está considerada como una fiel representante de la cultura mediterránea. Fue galardonada en el 2009 con el “León de Oro” de la 40 Bienal del Teatro de Valencia.

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Jean-Luc Godard, icónico cineasta francés y uno de los fundadores de la Nouvelle Vague en la década de los sesenta del siglo pasado, falleció este martes a los 91 años.

Había nacido el 3 de diciembre de 1930. Comenzó como crítico de cine en la famosa revista "Cahiers du Cinéma".

"Sin aliento", la película de 1960 que lo encumbró, utilizaba los travellings y la música de manera innovadora. Era su primera obra y con ella ganó un premio en el Festival de Berlín. Además, se convirtió en un clásico del cine.

Realizó películas de gran éxito como "Pierrot el loco", pero también pequeños cortos de tres minutos de duración que son panfletos de propaganda.

Algunas de sus obras más polémicas fueron "Aquí y en otro lugar", junto a Anne-Marie Miéville en 1976, y "Yo te saludo, María" en 1984.

A pesar de rehusar premios, recibió muchos galardones y honores de la Academia de los Óscar, la Academia francesa y el Festival de Cannes.

Goddard definió al séptimo arte con una frase memorable: "el cine no escapa al paso del tiempo. El cine es el paso del tiempo".

 

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